Феномен русского балета

Новый русский балет

Продолжателем симфонизации балета стал балетмейстер Михаил Фокин. В своих работах он перешёл к одноактным балетам и единству художественного произведения. Он добивался углубления драматургии и исторической достоверности спектаклей благодаря сценографии, декорациям, гриму и костюмам актёров балета. Фокин считал, что костюмы в первую очередь должны соответствовать сюжету, а не быть только балетными костюмами. В его постановках не было вальсов, польки и финальных галопов, свойственных «старому» балету.

Пойдя по стопам Дидло, Фокин изменил роль кордебалета: он считал, что в постановке важен каждый артист и каждое движение.

Чтобы сохранить целостный образ спектакля, упразднили аплодисменты после каждого номера, что вызывало волну негодования среди балетоманов.

Михаил Фокин

Михаил Фокин поставил больше 70 спектаклей, в числе которых знаменитый балет «Петрушка», «Египетские ночи», «Виноградная лоза» и ставший классикой и символом XX века знаменитый номер Анны Павловой «Умирающий лебедь».

Анна Павлова в образе умирающего лебедя

Балет «Петрушка» был поставлен специально для «Русских сезонов» Дягилева 1911 года и стал триумфом реформаторской деятельности Фокина. Он вобрал в себя не только глубокую драматургию одиночества на фоне праздной толпы, но и выразительность движений под гениальную музыку Стравинского. На сцене блистали звёзды своего времени — Вацлав Нижинский и Тамара Карсавина. Благодаря «Русским сезонам» Карсавина и Нижинский приобрели мировую известность.

Игорь Стравинский и Вацлав Нижинский в образе Петрушки, 1911 г.

Творческий союз Фокина и Карсавиной начался с новой редакции «Шопенианы» в 1907 году. Затем были партии в балетах «Жар-птица», «Карнавал», «Призрак оперы». 22 декабря 1907 года на концерте, где Карсавина исполняла ассирийский «Танец с факелом», впервые Анна Павлова танцевала свой знаменитый монолог «Умирающий лебедь». Партия «Жар-птицы» наряду с «Умирающим лебедем» Павловой была одним из символов своего времени.

Впервые Анна Павлова и Михаил Фокин вместе танцевали па-де-де в дивертисменте «Виноградная лоза», затем были балеты «Эвника» и «Египетские ночи», где Павлова на сцене танцевала с живой змеёй. Павлова обладала невероятной хрупкостью, воздушностью и неповторимой техникой прыжков.

Анна Павлова, балет «Египетские ночи», 1910 г.

В постановках Фокина «Бабочки», «Эрос», «Эвника» на сцене Мариинского театра участвовала знаменитая на весь мир прима-балерина Матильда Кшесинская. Однако реформаторские идеи Фокина были чужды Кшесинской, и их творческий союз просуществовал недолго.

Костюмы

Анна Павлова (прима-балерина); Ранние материалы для балетных костюмов были тяжелыми, что затрудняло движения танцора.

Балетные костюмы играют важную роль в балетном сообществе. Часто они являются единственным пережитком постановки, представляющим живую воображаемую картину сцены.

Ренессанс и барокко

Корни балета уходят корнями в эпоху Возрождения во Франции и Италии, когда придворная одежда была началом балетных костюмов. Балетные костюмы существуют с начала пятнадцатого века. Хлопок и шелк были смешаны с льном, вплетены в полупрозрачную марлю для создания изысканных балетных костюмов.

Семнадцатый век

В семнадцатом веке использовались различные типы тканей и рисунков, чтобы костюмы становились более эффектными и привлекающими внимание. Придворное платье все еще оставалось для женщин в течение этого столетия

Шелк, атлас и ткани, расшитые настоящим золотом и драгоценными камнями, повысили уровень эффектного декора, связанного с балетными костюмами. Женские костюмы также состояли из тяжелой одежды и юбок до колен, из-за чего им было трудно создавать много движений и жестов.

Восемнадцатый век

В течение восемнадцатого века сценические костюмы все еще были очень похожи на придворную одежду, но со временем прогрессировали, в основном благодаря французскому танцору и балетмейстеру Жан-Жоржу Новерру (1727–1810), чьи предложения по модернизации балета содержатся в его революционных Lettres sur танец и балеты (1760). Книга Новерра сместила акцент в постановке с костюмов на физические движения и эмоции танцоров.

Европейский балет был сосредоточен в Парижской опере . В то время юбки поднимались на несколько дюймов над землей. Цветы, оборки, ленты и кружева подчеркивали этот роскошный женственный стиль, а в цветовой гамме преобладали мягкие пастельные тона цитрона, персика, розового и фисташкового.

Девятнадцатый век

Ольга Спессива; Костюм Лебединого озера в ХХ веке

В начале девятнадцатого века использовались облегающие нательные костюмы, цветочные короны, корсажи и драгоценности. Идеалы романтизма нашли отражение в женских движениях.

Костюмы стали намного теснее, когда начали использоваться корсеты, чтобы подчеркнуть изгибы балерины. Драгоценности и ослепленные костюмы стали намного более популярными.

Двадцатый век

Мэгги Грипенберг (в центре) во время выступления в Финском национальном театре в 1916 году.

В течение двадцатого века балетные костюмы вернулись под влияние русского балета. Юбки балерин превратились в пачки до колен, чтобы позже продемонстрировать их точную работу на пуантах. Цвета сценических костюмов также стали более яркими. Дизайнеры использовали такие цвета, как красный, оранжевый, желтый и т. Д., Чтобы создать визуальное выражение, когда артисты балета выступают на сцене.

Факты из жизни танцовщиков балета

1. Легкие движения артистов создают впечатление, будто они совершенно не прилаживают усилий. Но за каждым гранд жете, пируэтом и антраша стоят сверхчеловеческие усилия. Количество энергии, необходимое для исполнения балета, примерно равнозначно тому, как если бы вы пробежали 11 км или сыграли футбольных матча подряд.
2. Тела танцоров должны быть чрезвычайно сильными и гибкими, чтобы выполнять сложную технику, поэтому им нужно тренироваться и репетировать каждый день.
3. Большинство серьезных танцоров начинают обучение в возрасте до 10 лет, но выходят на большую сцену после 20-ти. Да, на обучение требуется очень много времени!
4. Танцоры должны обладать большой физической силой, ведь им часто приходится поднимать и держать своих партнерш. В общей сложности за одно выступление они поднимают балерин «на сумму» 1-1.5 т. Это соответствует весу среднего автомобиля!
5. Одно балетное представление может занять до 5000 часов практики. Каждую минуту представления артисты репетировали как минимум 4 часа!

1. Большинство профессиональных танцоров изнашивают 2-3 пары пуантов в неделю, а иногда столько пар уходит за один спектакль! Причем танцевать в такой обуви очень больно, даже профессионалам.
2. Очарование и одержимость начинающих танцоров пуантами никогда не прекращается. Независимо от того, сколько стоит обувь, сколько она приносит боли или сколько лет нужно для подготовки и укрепления ног, они являются Святым Граалем для многих танцоров.
3. Даже сегодня, во время автоматизации производства, все пуанты изготавливаются вручную несколькими компаниями.
4. Пуанты шумнее, чем вы можете себе представить. Танцоры тратят годы, чтобы научиться приземляться как можно тише.
5. Так как пуанты могут деформировать податливые детские ноги, их не разрешают одевать раньше 10 лет.
6. Прима-балерина может выполнить 32 поворота подряд, стоя на одном месте, а в некоторых сообщениях говорится, что рекордсмены могут сделать более 100 поворотов!
7. Конечно же, роскошные наряды для выступлений не подлежат стирке. Максимум, что с ними могут сделать – обработать освежителем.

1. На протяжении сотен лет женщинам не разрешалось танцевать на публике, поэтому они не могли присоединиться к балету. Первой танцовщицей стала мадемуазель Де Лафонтен. В 1681 году она выступила на сцене Парижской Оперы в спектакле «Триумф любви». Зрителям пришлось по душе изящество и грациозность, с которой женщина исполняла движения, и поэтому сцена стала открытой для других представительниц слабого пола. С появлением Мари Салле и Мари Анн Камарго женщины стали соперничать с мужчинами в технике и мастерстве. Уже в 19 веке балерины практически вытеснили мужчин.
2. У артистов балета есть особый лайфхак, который помогает им не поскользнуться во время танца. Они натирают кончики пуантов канифолью. Это вещество также используется музыкантами.
3. На изготовление профессиональных пачек уходит 60-90 часов работы. При этом используется около 100 м материала. Не удивительно, что хорошая пачка может стоить 1500 долл.
4. Танцоры балета, как и все артисты, очень суеверные. Так, они верят, что большую неудачу приносят свист за кулисами, заглядывание не с той стороны занавеса и даже вязание за кулисами. Худшее преступление – это пожелание танцору «удачи». Чтобы не накликать беды, нужно сказать с точностью до наоборот. Например, танцоры желают друг другу удачи фразой «сломай ногу» или «merde» (по-французски – «дерьмо»).

Если вы хотите подарить любимому исполнителю цветы, то сделайте это после выступления. Дарить цветы артисту до выхода на сцену – это плохая примета.

Популярные темы сообщений

• Свойства воды
  30 популярных слов, которые лишь недавно пополнили словарь русского языка

  Вода – это жизнь. Где нет воды, там нет жизни. Например, в пустыне нет воды, и там почти не растут растения и не живут животные. Караваны в пустынях не смогли бы выжить там без воды. Выходит, она играет очень важную роль в нашей жизни.

• Жизнь в океане

  Уже давно многие ученые выдвинули такую теорию, что первые живые организмы смогли образоваться в водах Мирового океана. Конечно, он тогда был немного не таким, в нем жили другие бактерии и организмы. Сегодня – это удивительные и во многом

• Профессия военный

  Военного человека видно сразу: и выправка, и осанка, и гордая походка- всё говорит о том, что перед нами настоящий мужчина. Тот, кто выбрал для себя карьеру профессионального военного и решил посвятить себя воинскому искусству, должен понимать,

Современный

Выступление в 2010 году современной балетной пьесы Ирен Тассембедо « Аллах Гарибу» .

Одним танцором, который тренировался у Баланчина и впитал большую часть этого неоклассического стиля, был Михаил Барышников . После назначения Барышникова художественным руководителем Американского театра балета в 1980 году он работал с различными современными хореографами, в первую очередь с Твайлой Тарп . Тарп поставил « Толчок к удару» для АБТ и Барышникова в 1976 году; в 1986 году она создала In The Upper Room для своей собственной компании. Обе эти пьесы считались новаторскими, поскольку в них использовались отчетливо современные движения, смешанные с использованием пуантов и танцоров, получивших классическое образование — для использования ими современного балета.

Тарп также работал с труппой Joffrey Ballet , основанной в 1957 году Робертом Джоффри . В 1973 году она поставила для них « Deuce Coupe» , используя поп-музыку и смесь современных и балетных техник. Балет Джоффри продолжал исполнять множество современных произведений, многие из которых были поставлены соучредителем Джеральдом Арпино .

Сегодня существует множество современных балетных трупп и хореографов. К ним относятся Мадридский балет ; Королевский балет Фландрии ; Алонзо Кинг и его труппа, Alonzo King LINES Ballet ; Начо Дуато и Национальная компания Данза ; Уильям Форсайт, который много работал с Франкфуртским балетом и сегодня руководит труппой Форсайта ; и Иржи Килиан , бывший художественный руководитель театра Nederlands Dans . Традиционно «классические» труппы, такие как Кировский балет и балет Парижской оперы , также регулярно исполняют современные произведения.

1.2. Балет в эпоху Просвещения

В 18 в. стремительно развивались оба стиля танца – благородный и виртуозный. В области театрального танца появились мастера, сформировавшие свой индивидуальный стиль. Наряду с Дюпре это был блистательный Гаэтан Вестрис (1729–1808), высокотехничный Пьер Гардель (1758–1840) и новатор Огюст Вестрис (1760–1842), отличавшийся необычной внешностью и феноменальной элевацией (т.е. способностью высоко прыгать). Более простые и легкие одежды, вошедшие в моду накануне Французской революции, давали большую свободу для выполнения пируэтов и заносок (особых прыжковых движений), и увлечение ими стало всеобщим, что раздражало приверженцев традиции.

Однако еще более существенным для развития балета, нежели рост техники, стало новое отношение к этому искусству, порожденное Просвещением. Произошло отделение балета от оперы, появился новый вид театрального спектакля, где выразительными средствами были танец и пантомима. Жан Жорж Новерр (1727–1810) был самым значительным хореографом этого направления, причем не только практиком-новатором, но и автором весьма убедительных публикаций. Его Письма о танце и балетах (1760) заложили эстетические основы искусства балета, и многие его утверждения не теряют значения и в наши дни. Новерр прославился как постановщик многих ballets d’action, «действенных балетов» (т.е. балетов, имеющих сюжет) в Штутгарте в 1760-е годы, а в 1776 был приглашен балетмейстером в Парижскую оперу. Преодолев немалые трудности, он сумел утвердить балет как самостоятельную форму спектакля в этом знаменитом оперном театре.

Балет стал распространяться по Европе. К середине 18 в. княжеские дворы повсеместно стремились подражать роскоши Версаля, одновременно во многих городах открывались оперные театры, так что танцовщики и учителя танцев, которых становилось все больше, легко находили себе применение. Не только во Франции, но и в других странах хореографы предлагали важные для развития балета новшества. В Австрии Франц Хильфердинг (1710–1768) одним из первых создавал постановки, где сюжет излагался средствами мимики и танца. Итальянский педагог, Дженнаро Магри, издал подробный учебник театрального танца, каким он стал в последние годы перед падением старого режима во Франции.

Когда разразилась революция 1789, балет уже утвердился в качестве особого вида в искусстве. Публика привыкла к условностям сценической мимики, а танец, под влиянием идей Просвещения, освободился от той искусственности, против которой боролся Новерр. Балет перестал восприниматься как явление придворной жизни.

Русское влияние проявилось в том, что Шарля Луи Дидло, до этого работавшего балетмейстером в Петербурге, пригласили поставить в Парижской опере его самый знаменитый балет Флора и Зефир (музыка К.А.Кавоса). Вернувшись в Петербург и проработав там несколько лет, Дидло оставил театру в наследство не только огромный новый репертуар, в том числе балеты на русские сюжеты, как Кавказский пленник (музыка Кавоса, 1823), но и высокий уровень преподавания в балетной школе, которая впоследствии будет признана лучшей в мире.

В 1790-х годах, под влиянием современной моды, женский балетный костюм стал значительно более легким и свободным, так что под ним угадывались линии тела; одновременно отказались от обуви на каблуке, заменив ее на легкую бескаблучную туфельку.

Балет доклад

Творчество писателей Балета всегда отличалось от других авторов, которые занимались созданием различных творческих проектов и продолжают это делать.

Балет представляет собой отдельный вид искусства, который позволяет еще глубже понять мировую культуру и почувствовать реальные эмоции, которые можно испытать только во время балета.

Творчество Балета можно разделить на несколько уровней. Для того, чтобы разобраться в нем детально нужно начинать с самых азов, которые некоторые школьники проходят еще во время обучения в школах и колледжах. Данное направление искусства является довольно необычным, но при этом дает возможность проникнуть в суть произведения буквально с первых минут.

В русской литературе балет является отдельным направлением, которое хорошо сочетается между собой с другими вариантам творческой деятельности. Балетные произведения по мотивам русских сказок являются самыми простыми для восприятия, но, однако и их можно трактовать совершенно по-разному.

Одним из самых ярких произведения является балет Щелкунчика, который несмотря на свою детскую наигранность способен легко передавать эмоции и чувства, в том числе любовь, преданность и так далее. Впервые данный балет был представлен в 1982 году. С того момента его неоднократно меняли и совершенствовали, но тем не менее он остается одним из самых востребованных.

К ярким произведениям балета можно отнести: Спящую красавицу, Конек-Горбунок, Золушку, Каменный цветок, Жар-птицу, Шехерезаду и так далее. Все они были детскими произведениями, но в балет смогли показаться с новой стороны, став довольно интересными и запоминающимися балетными этюдами.

Творчество писателя Балет всегда было невероятно интересным. Все дело в том, что авторам в балете удавалось передать всю суть каждого произведения. Всемирная известность позволила Балету стать интересным направлением творческой деятельности, которое продолжает оставаться популярным и в наши дни.

На сегодняшний день далеко не все могут оценить Балет и понять его суть. Вот только, именно этот вид глубокого искусства является очень интересным и разнообразным. Понимать его можно без слов, просто чувствуя то, что происходит на сцене своей душой. Писатели неоднократно старались проникнуть именно в душу будущих поклонников и сделать это у них вполне удавалось, учитывая ошеломляющий результат произведений, которые становились легендарными и пользовались успехом у поклонников.

Творчество писателя Балет было многогранным и весьма непростым на первый взгляд. Но оно позволило раскрепостить души многих людей, дав им возможность мыслить шире и понимать то, что происходит в глубине сердца.

7, 8 класс по музыке, 5 класс

История

Людовик XIV в роли Аполлона в Королевском балете Нюи (1653)

Балет зародился при дворах итальянского Возрождения пятнадцатого и шестнадцатого веков. Под влиянием Екатерины Медичи как королевы он распространился во Францию, где получил дальнейшее развитие. Танцоры в этих ранних придворных балетах были в основном знатными любителями. Орнаментированные костюмы должны были произвести впечатление на зрителей, но они ограничивали свободу передвижения исполнителей.

Балетные спектакли проходили в больших залах со зрителями с трех сторон. Выполнение арки авансцены с 1618 года на удалении артистов от зрителей, которые затем могли лучше увидеть и оценить технические подвиги профессиональных танцоров в постановках.

Французский придворный балет достиг расцвета во времена правления короля Людовика XIV . Луи основал Académie Royale de Danse (Королевскую танцевальную академию) в 1661 году, чтобы установить стандарты и сертифицировать преподавателей танцев. В 1672 году Людовик XIV назначил Жана-Батиста Люлли директором Королевской академии музыки ( Парижской оперы ), из которой возникла первая профессиональная балетная труппа — Балет Парижской оперы . Пьер Бошан был балетмейстером Люлли . Вместе их партнерство сильно повлияет на развитие балета, о чем свидетельствует заслуга, данная им за создание пяти основных положений ног. К 1681 году первые «балерины» вышли на сцену после нескольких лет обучения в Академии.

Балет начал приходить в упадок во Франции после 1830 года, но продолжал развиваться в Дании, Италии и России. Приезд в Европу Русского балета под руководством Сергея Дягилева накануне Первой мировой войны возродил интерес к балету и положил начало современной эпохе.

В двадцатом веке балет оказал большое влияние на другие танцевальные жанры. Также в двадцатом веке балет сделал поворот, отделяя его от классического балета до современного танца , что привело к модернистским движениям в нескольких странах.

Известные танцоры двадцатого века включают в себя Анна Павлова , Галина Уланова , Рудольф Нуриев , Майя Плисецкая , Марго Фонтейн , Rosella Хайтауэр , Толчиф , Эрик Брун , Михаил Барышников , Сюзанн Фаррелл , Гелси Киркленд , Наталья Макарова , Артур Митчелл , и Жанна Деверо . Жанна Деверо три десятилетия выступала в роли прима-балерины и установила мировой рекорд, исполнив 16 тройных фуэте.

2.2. Балет в США

В конце 19 в. балетные сцены можно было увидеть только в составе спектаклей, именуемых «экстраваганца», которые еще сохранялись на американской сцене. Это были роскошно обставленные музыкальные представления, которые шли на сцене оперных театров после самой оперы, так что танцевальная часть спектакля начиналась примерно в 11 или 12 часов. Оперные театры приглашали для исполнения ведущих ролей в этих балетах балерин из Европы, и некоторые из них оставались преподавать в Америке. Так в разных городах появились школы и небольшие любительские труппы. Русские артисты, работавшие в составе балетных театров Дягилева или Анны Павловой, стали открывать в Америке студии, как, например, Адольф Больм, Михаил Мордкин (1880–1944) и Фокин.

Ряд трупп, созданных в Европе в надежде повторить достижения Дягилева, оказали влияние на американский балет. Одна из них, носившая некоторое время название «Русский балет полковника де Базиля», в 1933 выступала в США, где ее представлял знаменитый импресарио Сол Юрок. Другая труппа, исторически связанная с упомянутой и носившая название «Русский балет Монте-Карло», в какой-то момент обосновалась в США. В 1942 Агнес де Милль (1909–1993) поставила здесь балет Родео, а в 1946 Баланчин – Сомнамбулу, после чего коллектив просуществовал на положении передвижного до начала 1960-х годов. Первые основанные в Америке балетные труппы появились в 1930-х годах: это «Литлфилд балле» в Филадельфии и «Сан-Франциско балле». Два крупнейших американских балетных театра – «Нью-Йорк сити балле» и «Американ балле тиэтр» родились в результате взаимодействия русской традиции и американских предприимчивости и упорства, проявленными в первом случае Л.Керстайном, а во втором – Люсией Чейз.

Американ балле тиэтр. В 1939 Люсия Чейз (1897–1986), богатая вдова, занимавшаяся с М.Мордкиным классическим танцем, вместе с антрепренером Ричардом Плезантом (1906–1961) и художником Оливером Смитом (1918–1994) создала балетную труппу, которая поначалу получила название «Балле тиэтр», а в 1956 – «Американ балле тиэтр». Первый спектакль труппы состоялся в январе 1940. В первые годы исполнялись традиционные балеты, такие как Сильфиды (Шопениана) Фокина, а также постановки, использовавшие современный и этнический танец. Для обогащения репертуара Чейз привлекала разных хореографов, в том числе Фокина и Баланчина. В репертуар были включены, в частности, поставленные для других коллективов балеты Родео Агнес де Милль и Парень Билли Юджина Лоринга (оба на музыку А.Копленда).

Невозможно представить себе «Американ балле тиэтр» без драматических балетов английского хореографа Энтони Тюдора.

Разнообразие репертуара «Американ балле тиэтр» требовало присутствия в труппе танцовщиков, обладающих как блестящей классической техникой, так и драматическим талантом. В ранние годы это были Алисия Алонсо (р. 1921), Нора Кей, Джон Криза (1919–1975), Игорь Юскевич (1912–1994) и Алисия Маркова (р. 1910); за ними последовали Тони Ландер (1931–1985, Салли Уилсон (р. 1932), Брюс Маркс (р. 1937), Рой Фернандес (1929–1980), Лупе Серрано (р. 1930), Скотт Дуглас (1927–1996), Синтия Грегори (р. 1946), Мартина Ван Хамель (р. 1945), Фернандо Бухонес (р. 1955) и Гелси Керкленд (р. 1952).

«Танцевальный театр Гарлема» создан в 1968 бывшим танцовщиком «Нью-Йорк сити балле» Артуром Митчеллом (р. 1934), в знак протеста против убийства Мартина Лютера Кинга, а выступать труппа начала в 1971. Стремясь доказать, что танцовщики афроамериканского происхождения являются неотъемлемой частью мира балета, Митчелл включил в репертуар балеты Жизель, Лебединое озеро, постановки Баланчина, Шехеразаду Фокина, а также работы многих хореографов-афроамериканцев.

Терминология

Основная статья: Терминология в балете, см. также: Балетные термины

Изначально балетные термины были заимствованы из Италии, но уже в XVIII веке балетная лексика и названия танцевальных движений (различных pas, temps, sissonne, entrechat и т. д.) основывались на грамматике французского языка. Большинство терминов прямо обозначает конкретное действие, производимое при выполнении движения (вытягивать, сгибать, открывать, закрывать, скользить и т. п.), некоторые указывают на характер выполняемого движения (fondu — тающий, gargouillade — журчащий, gala — торжественный), другие — на танец, благодаря которому они возникли (pas бурре, pas вальса, pas польки). Существуют также термины, в название которых заложен некий визуальный образ (например, кошки — pas de chat, рыбки — pas de poisson, ножниц — pas de ciseaux). Особняком стоят такие термины, как entrechat royale (по легенде, авторство этого прыжка принадлежало Людовику XIV, в честь которого он и был назван «королевским») и sissonne, изобретение которого приписывается Франсуа де Руасси, графу Сиссонскому, жившему в XVII веке.

1.1. Происхождение балета как придворного зрелища

В конце эпохи Средневековья итальянские князья уделяли большое внимание пышным дворцовым празднествам

Важное место в них занимал танец, что породило потребность в профессиональных танцмейстерах

Мастерство ранних итальянских учителей танцев произвело впечатление на знатных французов, которые сопровождали армию Карла VIII, когда в 1494 он вступил в Италию, предъявив свои претензии на трон неаполитанского королевства. В результате итальянские танцмейстеры стали приглашаться ко французскому двору. Танец расцвел в эпоху Екатерины Медичи, супруги Генриха II (правил в 1547–1559) и матери Карла IX (правил в 1560–1574) и Генриха III (правил в 1574–1589). По приглашению Екатерины Медичи итальянец Бальдасарино ди Бельджойозо (во Франции его называли Бальтазар де Божуайё) ставил придворные представления, наиболее известное из которых носило название Комедийный балет королевы (1581) и обычно считается первым в истории музыкального театра балетным спектаклем. В царствование трех французских королей – Генриха IV (1533–1610), Людовика XIII (1601–1643) и Людовика XIV (1638–1715) – учителя танцев проявили себя как в сфере бального танца, так и в тех его формах, которые развивались в рамках придворного балета. В Англии в ту же эпоху, т.е. в царствование Елизаветы I, шел аналогичный процесс, нашедший выражение в постановках т.н. масок при дворе в Уайтхолле. В Италии техника профессионального танца продолжала обогащаться, появились первые труды по танцу (Il Ballarino Фабрицио Карозо, 1581 и Le Gratie d’Amore Чезаре Негри, 1602).

В середине 17 в. наметился отход от строгих форм, присущих придворному балету. Балетные артисты выступали теперь на сцене, приподнятой над уровнем зала и отделенной от зрителей, как это было, например, в театре, построенном кардиналом Ришелье в начале 17 в. Этот театр в итальянском стиле находился в его дворце и имел просцениум, что открывало дополнительные возможности для создания сценической иллюзии и зрелищных эффектов. Так вырабатывалась чисто театральная форма танца.

В царствование Людовика XIV спектакли придворного балета достигали особого великолепия как в Париже, так и в Версальском дворце. «Король-солнце» появился, в частности, в роли Солнца в Балете ночи (1653).

Многие сохранившиеся поныне особенности балетных танцев объясняются происхождением балета, стилем поведения первых его исполнителей – придворных, обученных благородным манерам. Все дворяне были знакомы с искусством фехтования, и многие его приемы использовались в танцах: например, «выворотность», т.е. такое положение ног, при котором они от бедра до стопы повернуты наружу. Обязательные позиции ног, головы и рук в балете также напоминают позиции фехтовальщиков.

В 1661 Людовик XIV создал Королевскую академию музыки и танца, объединившую 13 ведущих танцмейстеров, которые были призваны блюсти танцевальные традиции.

[править] ХХ век

Именно сохранение традиций оказалось главной основой русского классического балета. Это стало очевидно к началу ХХ столетия. Известный в то время журналист-балетоман В. Крымов писал в своей заметке «В балете» (петербургский журнал «Столица и усадьба». 1914. № 3. С. 16): «Балет сохранил свои традиции до наших дней. Традиция и на сцене, традиция и в зрительном зале…». Но традиции — на то и традиции, что в конце концов становятся препоном развития.

Начало XX века в России ознаменовалось всеобщим революционным подъёмом — отставало от социальных требований времени буквально всё: от правовых норм до самых простых бытовых устремлений. Революционность общества коснулась всего существовавшего в стране; в балете она проявилась новаторскими поисками, стремлением преодолеть стереотипы, условности академического балета XIX века. Среди этих новаторов хореографии были балетмейстеры петербургской труппы М. М. Фокин и московской А. А. Горский. М. М. Фокину не сразу дали возможность работать с его реформаторскими балетными идеями, однако ему удалось пленить не только сердца зрителей, но и Дирекции императорских театров. А. А. Горский, выходец Петербургского балета, направленный Дирекцией императорских театров в Москву и увлеченный московскими театральными достижениями, направил свою деятельность на объединение московских устремлений с технической отточенностью петербургского балета (московский балет в технической отточенности явно уступал, он несся вперед в реалистических тендениях, а отточенность требует мастерства поколений и традиционности).

А в это же время, к началу ХХ века, в европейском развитии классического балета произошли большие новшества — он исчезал, заменяясь на новые усовершенствованные па. Первым это заметил С. П. Дягилев, который с 1907 стал организовывать ежегодные зарубежные выступления русских артистов, получившие название «Русские сезоны». Европейская публика с большим интересом отнеслась к балетам в исполнении русских артистов, признав, что у них такого нет. Балет — детище европейской, в первую очередь французской культуры, вдруг стал восприниматься в Париже совершенно новым искусством — то есть оказался «новым — хорошо забытым старым».

Но особенно вырос престиж русского балета в 1920-х годах, когда выдающиеся русские балетные звезды буквально наводнили Западную Европу после свершения Октябрьского переворота 1917 года. Балет стал восприниматься как специфически русское искусство и пользоваться огромным успехом. В открывавшиеся по всей Европе русские балетные школы потянулись ученики, а старые русские артисты, лишившиеся всего своего имущества на родине, рады были принимать учеников; свою роль сыграло и то, что балет — искусство движений и не нуждалось в переводе на другие языки, в которых преподаватели оказались не всегда сильны. Только школа Ольги Преображенской поставила на мировые сцены столько академических балетных танцовщиков, что становится ясно: без нее современный балет не был бы таким, каким он является сейчас. Своих учеников воспитали на Западе и другие выдающие русские артисты балета: Джордж Баланчин, Виктор и Татьяна Гзовские, Матильда Кшесинская, Николай Легат (школа Н. Легата, открытая в Лондоне в 1923 году, со временем превратилась в интернациональный центр, давший миру многих выдающихся танцовщиков разных направлений), Елизавета Андерсон-Иванцова, Софья Федорова, Пьер Владимиров и Фелия Дубровская, Михаил Фокин, Михаил Мордкин, Александр Волинин, Бронислава Нижинская, Любовь Чернышёва, Анатолий Обухов, Анатолий Вильзак, Людмила Шолар, мн.др. Все они вернули Европе балет, сохранившийся в Российских императорских труппах.

B XX в. в балетную моду вошел стиль nu; то, что ранее считалось неприличным, стало соответствовать девизу: что естественно то не стыдно.

Доклад №2

Человеку, впервые попавшему на балет, происходящее на сцене может показаться странным и непонятным. Слов нет, только музыка и балерины, порхающие по сцене. Однако все это выглядит чарующе и прекрасно. Это и есть магия балета.

Что же такое балет?

Балет — это жанр театрально-музыкального искусства. Основа балета – сценарий, музыка и танец.

Танец – основное художественно-выразительное средство в балете. В танце балерины и танцовщики раскрывают характеры, чувства и действия героев балета.

Однако, потребовалось 400 лет, прежде чем балет стал напоминать то что в наше время называется балетом.

Балет возник в 15 веке в Италии. Само название «балет» произошло от итальянского «balletto» — танцевать. Дальнейшее развитие балета происходило во Франции.

С момента возникновения балет был привилегией высшего сословия. Так, в 1581 году при французском дворе был представлен первый балет «Цирцея».

Король Франции Людовик 14-й был страстным поклонником балета и нередко сам выступал на сцене в качестве танцора. Его прозвали «Король-Солнце» после исполнения роли Солнца в «Балете ночи».

В 1661 году открылась Королевская академия танца в Париже. Возглавил ее Пьер Бошам, который впоследствии разработал пять классических позиций ног в балете.

Изначально балет был сугубо мужским, женщинам танцевать не разрешалось. Переодетые мужчины исполняли все женские партии. Первой женщиной, выступившей в сольном танце как балерина, стала мадмуазель Ла Фонтен. Это произошло в 1681 году.

По мере развития балета преображался и костюм танцовщиков. В 18 веке на смену тяжелым платьям пришли пачки- шопенки – длинные пышные юбки из тонкого тюля, а туфли на каблуках сменились мягкой обувью. Пуанты – обувь балерин – впервые появились в 1839 году в балете «Сильфида».

В России также интересовались балетом. Первая балетная школа открылась в 1738 году в Петербурге.

В 1840 году в Россию приехал француз Мариус Петипа. Он поставил более шестидесяти балетов. Среди них три самые популярные постановки в мире – «Щелкунчик», «Спящая красавица» и «Лебединое озеро». Музыку к этим балетам написал Петр Ильич Чайковский.

Значительное влияние на развитие русского балета и обретение им мировой известности внесли Сергей Дягилев и Михаил Фокин.

Дягилев организовал труппу под названием «Русский балет». С 1908 года труппа ежегодно выезжала в Париж. Благодаря гастролям имена русских танцовщиков – Вацлава Нежинского, Анны Павловой, Тамары Карсавиной – приобрели мировую известность.

Михаил Фокин – прослыл как реформатор балетного искусства. Для него танец был не просто банальной пластикой, он был состоянием души, поддавался осмыслению. Для Анны Павловой Фокин поставил сольный номер «Умирающий лебедь», который произвел фурор на мировой сцене и стал визитной карточкой балерины.

Яркими представителями русского балета второй половины 20 века стали – Марис Лиепа, Екатерина Максимова, Рудольф Нуреев, Михаил Барышников, Майя Плисецкая, Галина Уланова.

Авторитет русского балета в мире высок. Самые уважаемые преподаватели балета – русские. Гастроли театров — Большого и Мариинского – проходят с полным аншлагом.    

Балет 21 века интенсивно развивается. Наряду с классическими постановками, появляются новые, открываются театры и балетные школы. Балет как вид искусства не теряет своей популярности у зрителя. Это вселяет надежду на дальнейшее блестящее будущее балета.